Esta lección marca el comienzo de tu aventura manga, introduciéndote al estilo, historia y la relevancia cultural del manga, antes de llevarte a través de los principios fundamentales de dibujo de personajes.

Aprenderás técnicas de dibujo cruciales como la construcción de personajes, la proporción basada en el tamaño de la cabeza y la representación de figuras desde múltiples perspectivas. Además, descubrirás cómo el manga rompe las reglas convencionales de proporción, y explorarás estilos de dibujo que van desde el realismo hasta el manga.

Para rematar, desentrañarás los secretos de capturar movimiento y equilibrio en el dibujo, y aprenderás la importancia de la práctica constante para mejorar tus habilidades.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción al curso de Manga: Entendiendo los conceptos básicos y la importancia del estilo japonés.
2. ¿Qué es el manga?: Una exploración de la historia y la relevancia cultural del manga en Japón y en Occidente.
3. Construyendo personajes: Adoptando una estructura simplificada para entender y dibujar fácilmente el cuerpo humano.
4. Usando la cabeza: Aprendiendo a utilizar el tamaño de la cabeza como sistema de medidas estándar para construir la figura humana.
5. Desglosando el cuerpo: Estudiando cómo cada “cabeza” se corresponde con una parte del cuerpo humano.
6. El eje de simetría: La clave para dibujar ambos lados del cuerpo de manera equilibrada y evitar dibujos torcidos.
7. Aplicando la estructura a figuras masculinas y femeninas: Reconociendo las diferencias y practicando la estructura para evitar errores.
8. Cambiando la perspectiva: Cómo modificar la vista frontal a una vista de perfil y adaptar el eje de simetría.
9. Explorando la vista 3/4: Aprendiendo a pensar en 3D y a interpretar las figuras desde diferentes ángulos.
10. Comprendiendo la estructura de la espalda: Puntos clave para dibujar la vista de espalda y la vista 3/4 de espalda.
11. Practicando con el muñeco de palitos y el muñeco volumétrico: Dos formas de dibujar estructuras para mejorar la comprensión y agilizar el dibujo.
12. Adaptando la estructura al cuerpo femenino: Estudiando las diferencias en la espalda, la cintura y la cadera entre figuras masculinas y femeninas.
13. Diferencias entre el estilo manga y el estilo occidental: Analizando las características únicas del manga, desde la síntesis a los ojos grandes y las figuras estilizadas.
14. Desafiando la fórmula de las 8 cabezas: Comprendiendo cómo el estilo manga adopta proporciones y estilizaciones únicas en el dibujo de personajes.
15. Conclusión: La importancia de aprender las bases para luego poder diseñar un estilo propio.
16. Introducción a las proporciones en el diseño de personajes: cómo exagerar las formas del cuerpo sin perder la armonía.
17. Entendiendo la variación de proporciones con la edad: cómo diferenciar las medidas en personajes adultos y niños.
18. Explorando diferentes estilos de dibujo: desde el realismo hasta el manga.
19. La importancia de la síntesis y el detalle en el dibujo: cómo balancear la cantidad de detalles para captar la esencia del personaje.
20. Análisis de estilos manga: estudio de la simplificación y exageración de los rasgos.
21. Desentrañando los secretos del movimiento en el dibujo: cómo representar correctamente las limitaciones y posibilidades de las articulaciones.
22. Entendiendo el equilibrio en los personajes: cómo balancear el peso del cuerpo para evitar representaciones antinaturales.
23. El impacto de la velocidad en el movimiento: cómo exagerar o minimizar los movimientos según la velocidad de la acción.
24. Introducción a la línea de acción: cómo utilizar esta herramienta para crear poses dinámicas y naturales.
25. Respetando los límites del cuerpo: cómo evitar poses antinaturales y exageradas en nuestros personajes.
26. La regla de la inclinación de los hombros y la cadera: cómo aplicar esta norma para crear poses más estéticas.
27. La importancia del trazo: cómo evitar la presión excesiva y mejorar el pulso para lograr trazos fluidos y limpios.
28. La limpieza en el dibujo: la importancia de mantener nuestras herramientas y espacio de trabajo ordenados y cuidados.
29. El peligro de la línea peluda: cómo evitar este error común que puede arruinar la armonía de nuestro dibujo.
30. La importancia de la práctica constante: cómo incorporar los conocimientos y mejorar nuestras habilidades a través del entrenamiento constante.

Tu viaje a través del mundo del manga continua con la Lección 2, que se sumerge profundamente en el arte de dibujar rostros manga.

Comenzarás conociendo la diversidad de las formas de las cabezas y los rostros antes de pasar a la construcción de un rostro desde diferentes puntos de vista. Aprenderás la importancia de la ubicación del cuello, la proporción de los ojos y la nariz, y los detalles sutiles que hacen que un rostro cobre vida.

Además, también experimentarás con representaciones en diferentes posiciones y aprenderás a aplicar la perspectiva a tus ilustraciones. Con entrevistas de artistas invitados y desafíos semanales de dibujo, esta lección te mantendrá comprometido y en constante aprendizaje.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción al curso profesional de Manga de Hernán Castellano: Cómo volverse un profesional con práctica constante y sin trucos mágicos.
2. Importancia de la diversidad en las formas de cabezas y rostros de los personajes.
3. Construyendo un rostro de frente: tres maneras partiendo de un círculo, medio círculo y un trapecio.
4. Descubriendo la importancia de las líneas de guía: cómo determinar la rotación de la cabeza, la dirección de la mirada y la simetría del rostro.
5. Conociendo los detalles del rostro: cómo dibujar ojos, boca, nariz y cejas en su lugar correcto.
6. Explorando la diversidad de los rostros: cómo cambiar la inclinación de los lados de la cara puede generar distintos tipos de rostros.
7. Creando el rostro en vista de perfil: dos opciones partiendo de un círculo y un rectángulo.
8. Construyendo la vista de un rostro en 3/4: dos opciones partiendo de un círculo y un rectángulo.
9. Importancia de la ubicación del cuello y cómo la unión con la nuca es suave y curva.
10. Manejando las proporciones: cómo la distancia entre los ojos y la nariz varía dependiendo del lado de la cara.
11. Aprendiendo a dibujar el ojo del lado de la cara que menos se ve: cómo “aplanar” un poco el ojo visto de frente.
12. Conociendo datos importantes sobre la nariz: cómo no debe quedar por detrás del eje de simetría.
13. Desarrollando un rostro paso a paso: la importancia de las líneas de visión, nariz y pelo en la construcción de la cara.
14. Comprendiendo la anatomía en diferentes ángulos: cómo dibujar rostros en ángulos de 3/4 y de espalda.
15. Las proporciones en la ilustración: cómo representar correctamente las distancias y ubicaciones en el rostro.
16. Los misterios de los detalles del rostro: la importancia de los ojos, la boca, la nariz, las orejas y el pelo en nuestras ilustraciones.
17. Del boceto a la obra final: la transición de lo general a lo particular en nuestras representaciones.
18. Explorando los ángulos del rostro: cómo dominar la representación en ángulo picado y contrapicado.
19. La importancia de la perspectiva en el dibujo: cómo las líneas guías se vuelven curvas para dar volumetría.
20. La evolución del dibujo: cómo la práctica constante nos lleva a mejorar nuestras habilidades de representación.
21. Dibujando rostros en diferentes posiciones: cómo representar la cabeza mirando hacia arriba y hacia abajo.
22. Representando la profundidad y volumen: cómo entender y aplicar la perspectiva en nuestras ilustraciones.
23. Analizando los detalles del rostro: cómo dibujar los ojos, las orejas, la boca y la nariz en diferentes estilos.
24. Comparando estilos realistas y de manga: cómo adaptar nuestro estilo de dibujo según nuestras preferencias y necesidades.
25. El camino al profesionalismo: la importancia de la práctica y la experimentación en nuestra evolución como artistas.
26. Inspirándote en artistas invitados: cómo aprender y mejorar nuestras habilidades a través de la observación de las obras de otros artistas.
27. Desafíos semanales: cómo mantenernos motivados y en constante aprendizaje a través de retos de dibujo.

La lección 3 introduce el mundo de la anatomía muscular, una parte crucial para llevar tus dibujos manga al siguiente nivel. Aprenderás a dibujar músculos que dan forma y movimiento al cuerpo humano, desde el torso hasta las extremidades, y comprenderás cómo la musculatura varía entre figuras masculinas y femeninas.

También descubrirás el papel crucial de los huesos en la representación de los músculos y aprenderás a simplificar la complejidad de los músculos para un dibujo más fluido. Además, aprenderás a superar desafíos y frustraciones al dibujar áreas complejas del cuerpo.

Te darás cuenta de cómo la anatomía define la forma del cuerpo, aprenderás a dibujar siluetas humanas y a comprender las formas corporales.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la anatomía muscular: Comprendiendo los músculos que dan forma y movimiento al cuerpo humano.
2. El esqueleto y la musculatura: Cómo el entendimiento de la musculatura humana mejora las proporciones y el dinamismo de nuestros personajes.
3. Las diferencias entre la musculatura masculina y femenina: Entendiendo cómo el grosor de los músculos influye en el dibujo de personajes de ambos sexos.
4. La musculatura del torso: Aprendiendo a dibujar músculos como el trapecio, los deltoides, los pectorales, el recto abdominal, los oblicuos y los serratos.
5. Dibujando los músculos del torso desde diferentes ángulos: Cómo representar la musculatura desde la vista frontal, de espalda y de perfil.
6. El papel de los huesos en el dibujo de la musculatura: La importancia de los huesos como la clavícula en la representación de los músculos.
7. La musculatura del abdomen: Cómo dibujar las famosas abdominales y entender la forma del recto abdominal.
8. La musculatura de la espalda: Aprendiendo a dibujar los músculos del dorsal mayor, el redondo mayor, el infraespinoso oblicuo y los serratos.
9. La importancia de la musculatura en personajes delgados: Por qué el entendimiento de la musculatura es fundamental independientemente del grosor de tus personajes.
10. La musculatura de los brazos: Cómo dibujar con precisión los bíceps, los tríceps y el braquial.
11. La musculatura del antebrazo: Entendiendo la complejidad de los músculos del antebrazo y cómo simplificarlos para un dibujo más fluido.
12. El papel de la relajación y la contracción muscular en el dibujo: Cómo la acción de los músculos afecta su representación en el dibujo.
13. Explorando la musculatura del cuerpo: una introducción a la anatomía en el arte.
14. Un enfoque concentrado en las piernas: entendiendo y dibujando la musculatura de manera simplificada.
15. Descifrando la anatomía de los músculos importantes: de los cuádriceps a los gemelos.
16. La importancia de la práctica y el estudio en el arte: cómo profundizar en tu conocimiento de la anatomía.
17. Superando los desafíos: consejos para manejar la frustración al dibujar áreas complejas del cuerpo.
18. Cómo simplificar la musculatura: técnicas para representar los músculos de manera efectiva y precisa.
19. De la estructura a la musculatura: entendiendo cómo la anatomía define la forma del cuerpo.
20. Poniendo en práctica tus conocimientos: ejercicios para dibujar siluetas humanas y comprender las formas corporales.
21. La diferencia entre los géneros: cómo la anatomía varía entre figuras masculinas y femeninas.
22. Aplicando la anatomía al manga: cómo dibujar personajes con diferentes físicos y proporciones.
23. El poder de la observación: desarrollando tu criterio artístico para decidir qué trazos realizar y cuáles no.
24. Exagerando la musculatura: cuándo es apropiado y cómo lograrlo de manera efectiva.
25. Entendiendo la contracción y la relajación muscular: cómo dibujar músculos en movimiento y esfuerzo.
26. Manejando la delicadeza en la figura femenina: consejos para mantener la estilización y suavidad en los personajes femeninos.
27. Estudiando la musculatura facial: una mirada a los músculos menos notorios pero igualmente importantes.
28. La importancia de la anatomía en el género terror: cómo usar tu conocimiento de la musculatura para crear imágenes impactantes.
29. La relación entre proporciones y anatomía: cómo un buen conocimiento de ambas es vital para crear un dibujo convincente.
30. Concluyendo la lección: la importancia de la práctica continua para mejorar tus habilidades artísticas.

¡Descubre el arte de las extremidades en la ilustración manga con nuestra cuarta lección! A menudo intimidantes y siempre esenciales, las manos y pies se convierten en nuestros protagonistas. Desde las estructuras básicas hasta las proporciones precisas, aprenderás cómo dar vida a estas partes fundamentales del cuerpo humano en tus propias creaciones.

Explora la complejidad y diversidad de los dedos, domina el dibujo del puño y entiende cómo la perspectiva puede transformar una imagen plana en una representación realista.

Pero no nos detenemos allí: también te adentrarás en el mundo de las poses, las acciones y cómo dar profundidad y dimensión a tus dibujos. ¡Y todo esto antes de entrar al emocionante territorio de los pies!

¿Te intriga? ¡Ven y descubre todos los secretos en esta detallada lección!

En este pack vas a aprender:

1. Introducción al dibujo de manos en manga: superando los miedos y las complicaciones.
2. Exploración de la estructura de la mano: comprensión de articulaciones, posiciones y puntos de vista.
3. Dibujando paso a paso una mano en manga: desde la forma básica hasta las proporciones precisas.
4. Entendiendo la diversidad y complejidad de los dedos: desde el índice hasta el menique.
5. Vista detallada de las falanges: cómo dibujar cada sección de los dedos.
6. Aspectos a tener en cuenta al dibujar el dorso y la palma de la mano.
7. La importancia de la perspectiva en el dibujo de manos: cómo lograr una representación realista.
8. Creando manos en acción: cómo dibujar diferentes poses y movimientos.
9. Entendiendo la volumetría de la mano: cómo dar profundidad y dimensión a tus dibujos.
10. Dibujando el puño: dominando el escorzo y las vistas en manga.
11. Práctica de diferentes vistas y poses de la mano: desde la vista frontal hasta el perfil.
12. Consejos para mejorar tus ilustraciones de manos: desde el nivel de detalle hasta la inclusión de las uñas.
13. Aplicando lo aprendido: cómo llevar tus habilidades de dibujo de manos al siguiente nivel.
14. Comenzando a dibujar las manos: el primer paso con un rectángulo y cuidadosas curvaturas.
15. Añadiendo dimensiones y detalles a la mano: la importancia de la perspectiva y la proporción.
16. Entendiendo la complejidad de los dedos: cómo representar su forma y movilidad de manera realista.
17. Explorando los límites de los dedos: aprendiendo sobre su flexibilidad y cómo representarla en tus dibujos.
18. Practicando la perspectiva de las manos: trucos y consejos para dibujar manos en diferentes ángulos y posturas.
19. Diferenciando entre manos masculinas y femeninas: cómo capturar las sutilezas y características únicas de cada una.
20. Introducción a los pies: cómo empezar a dibujarlos con formas básicas.
21. Detallando los pies: aprendiendo a representar los dedos del pie y la estructura única del pie.
22. Practicando diferentes perspectivas de los pies: cómo representar con precisión los pies desde diferentes puntos de vista.
23. Entendiendo el movimiento de los pies: cómo capturar los límites de flexibilidad y movimiento de los pies en tus dibujos.
24. Practicando con hojas de entrenamiento: cómo mejorar tus habilidades con ejercicios prácticos y directrices útiles.

La quinta lección te lleva en un emocionante viaje al corazón de la creación de personajes de manga. Desde la construcción de fichas técnicas hasta el desarrollo de personalidades creíbles y variadas, esta lección te sumerge en la psicología, la física y la estilística de tus personajes.

¿Quieres saber cómo las poses pueden revelar la personalidad de tu personaje o cómo la vestimenta y el peinado pueden reflejar su mundo interior? ¿Te gustaría explorar cómo la edad, la altura y el entorno pueden cambiar radicalmente la percepción de tu personaje? ¿Estás intrigado por la idea de darle vida a tus personajes y hacerlos únicos y memorables?

¡Entonces no busques más! ¡La Lección 5 tiene todo lo que necesitas para empezar a crear tus propios personajes manga vivos y verosímiles!

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la creación de personajes de manga: la importancia de la caracterización para dar vida a tus personajes.
2. Creando fichas técnicas para tus personajes: cómo desarrollar su historia, edad, personalidad y demás detalles esenciales.
3. Diversidad de personalidades y géneros en los personajes de manga: cómo representar de manera creíble una amplia gama de personajes.
4. Entendiendo la verosimilitud en la creación de personajes: cómo ajustar la realidad de tus personajes de acuerdo al género de la historia.
5. El diseño de personajes en función de la historia: cómo influyen los géneros literarios en la representación de los personajes.
6. Expresando la personalidad de tus personajes a través de sus poses: cómo representar el carácter de tus personajes en sus movimientos y actitudes.
7. Creando personajes distintos y únicos: cómo evitar que tus personajes se parezcan entre sí.
8. El diseño de personajes en función del tono de la historia: la diferencia entre dibujos humorísticos y serios.
9. Creando fichas de personajes con ejemplos concretos: cómo diseñar personajes desde cero con información básica.
10. Definiendo las características físicas de tus personajes: cómo la edad y la altura influyen en el diseño.
11. Dando vida a tus personajes a través de su personalidad y sus historias: cómo la personalidad y la situación de vida de tus personajes influyen en su diseño.
12. Incorporando detalles únicos a tus personajes: cómo los gustos personales y los defectos físicos pueden hacer a tus personajes más verosímiles.
13. Diseñando el look de tus personajes: cómo la vestimenta y el peinado reflejan la personalidad de tus personajes.
14. Explorando la moda y las tendencias para diseñar a tus personajes: cómo la investigación puede ayudarte a crear personajes estilizados y modernos.
15. Experimentando con los detalles del rostro para crear personajes únicos: cómo pequeños cambios pueden dar lugar a personajes completamente nuevos.
16. El arte de diseñar personajes: cómo las expresiones faciales y corporales reflejan la personalidad de un personaje.
17. La importancia de las emociones en el diseño de personajes: cómo el estado de ánimo afecta la apariencia de tu personaje.
18. Creando personajes únicos: cómo utilizar distintas personalidades para diferenciar tus personajes.
19. La importancia del diseño de vestuario en el desarrollo del personaje: cómo la ropa refleja la personalidad y el entorno del personaje.
20. El arte de dibujar rostros: cómo utilizar formas geométricas para crear una variedad de formas faciales.
21. La nariz como punto focal: cómo el tamaño y la forma de la nariz pueden cambiar drásticamente la apariencia de un personaje.
22. El diseño de cabello en el manga: cómo crear estilos de peinado únicos y expresivos.
23. El arte de dibujar ojos: cómo el estilo y tamaño de los ojos pueden darle carácter a tu personaje.
24. Creando variedad en tus personajes: cómo la edad, la altura y la contextura corporal pueden diferenciar a tus personajes.
25. El entorno del personaje: cómo la ubicación y la época pueden influir en el diseño de tu personaje.
26. El rol de la vestimenta en el diseño de personajes: cómo la ropa puede reflejar el entorno y la historia del personaje.
27. El proceso de diseño de un personaje: cómo pasar de una estructura básica de palitos a un personaje completo y detallado.
28. El toque final: cómo los detalles finales pueden aportar personalidad y estilo a tu personaje.

En nuestra sexta lección, adentrémonos en la esencia de la representación artística: ¡la perspectiva! Esta lección te introduce a los principios fundamentales de la perspectiva, desde la línea de horizonte hasta los puntos de fuga, y cómo estos conceptos se aplican en el arte manga. Aprende cómo transformar simples cuadrados en cubos tridimensionales y cómo la profundidad y el volumen pueden aportar realismo a tus creaciones.

Te enseñaremos las sutilezas del escorzo y cómo “fingir” la profundidad para crear efectos ópticos sorprendentes. ¿Te interesa cómo evitar la falsa perspectiva y cómo manejar las proporciones para un efecto realista? ¿Quieres entender cómo la perspectiva puede sugerir grandeza y verticalidad?

¡Esta lección es para ti! Ven y descubre todos estos secretos y más en la Lección 6.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la perspectiva: Entendiendo su importancia y cómo influye en el dibujo.
2. El concepto de la perspectiva: Comprender su funcionalidad y aplicación en el arte.
3. La línea de horizonte: Entendiendo su papel en la creación de la perspectiva.
4. Los puntos de fuga y las líneas de fuga: ¿Cómo funcionan y cómo usarlos en el dibujo?
5. La perspectiva con un punto de fuga: Aprende a transformar un cuadrado en un cubo.
6. La profundidad y el volumen en la perspectiva: Añadiendo realismo a tus dibujos.
7. La perspectiva con dos puntos de fuga: Creando una visión más realista y tridimensional.
8. El escorzo: Explorando su relación con la perspectiva y cómo afecta la visualización de los objetos.
9. Las nueve posiciones del cubo en la perspectiva con un punto de fuga: Entendiendo las diferentes perspectivas de un objeto.
10. La ilusión de profundidad: Creando un efecto de tridimensionalidad en tus dibujos.
11. La falsa perspectiva: ¿Qué es y cómo evitarla en tus obras?
12. El arte de “fingir” profundidad: Descubriendo las técnicas de los dibujantes para crear efectos ópticos.
13. Las bases de la perspectiva: Creando fondos verosímiles para tus dibujos.
14. La perspectiva en el manga: Aplicando los conceptos aprendidos en el arte japonés.
15. Conclusión: Comprendiendo la importancia de la perspectiva para convertirse en un mejor dibujante.
16. Comenzando con el cubo: Agregar líneas de fuga para revelar la perspectiva.
17. Manejando las proporciones: Cómo la posición de los puntos de fuga afecta la cara visible del cubo.
18. Creando transparencia: Cómo visualizar y dibujar las caras ocultas de un cubo.
19. Trabajando con dos puntos de fuga: Cómo darle una perspectiva más realista a tus figuras.
20. Manejando la perspectiva: Cómo la posición y la distancia de los puntos de fuga influyen en la representación del volumen.
21. Introduciendo un tercer punto de fuga: Añadiendo profundidad y realismo a tus representaciones de figuras 3D.
22. Manejando la perspectiva de tres puntos: Cómo el tercer punto de fuga puede afectar la apariencia de tus figuras.
23. Creando figuras más complejas: Cómo aplicar la perspectiva de tres puntos en la creación de un prisma.
24. Definiendo la perspectiva: Cómo la posición del observador afecta la representación de la figura.
25. Utilizando la perspectiva para sugerir grandeza: Cómo la perspectiva de tres puntos puede ser utilizada para crear una sensación de altura y verticalidad.
26. Terminando con una reflexión: La importancia de practicar y entender estos conceptos para poder avanzar a representaciones más complejas.

Adéntrate en el arte de la perspectiva y descubre cómo este juego de ilusión óptica puede elevar tus habilidades en el dibujo de manga a un nuevo nivel.

En esta lección, te presentamos el fascinante mundo del escorzo en la figura humana, una técnica que te permitirá crear dibujos más realistas y tridimensionales. Aprenderás a dominar la volumetría, entender cómo los objetos cambian según su proximidad al punto de fuga y cómo dibujar a mano alzada detalles de la figura humana en escorzo.

Te desafiamos a cambiar la cámara, a alterar la perspectiva y a jugar con las sombras y las luces para lograr una representación más profunda y detallada.

Te guiaremos en cada paso mientras descubres cómo la perspectiva y el escorzo son vitales para crear escenas épicas y dinámicas que transmitan emociones y cuenten historias a través de tus dibujos.

En este pack vas a aprender:

1. Bienvenida al mundo del escorzo en la figura humana: Descubriendo el efecto óptico de la perspectiva en el dibujo de manga.
2. La perspectiva en acción: Entendiendo la volumetría y cómo aplicarla en la figura humana.
3. Preparándote para la práctica: Desafía tus habilidades artísticas con el dibujo de figuras humanas en escorzo.
4. El ojo de la cámara: Cómo percibir el mundo tridimensional y aplicar la idea de dimensiones y volumen en tus dibujos.
5. Descubriendo los ángulos de cámara: Entiende los términos de altura de los ojos, picado, contrapicado, cenital y supina y cómo afectan al dibujo en escorzo.
6. Comenzando con lo sencillo: Dibujando un brazo extendido en escorzo y cómo crear la ilusión de profundidad.
7. Entendiendo la perspectiva: Cómo los objetos cambian según su proximidad al punto de fuga.
8. Practicando con figuras simples: Utiliza cilindros, esferas, cubos y prismas para representar partes de la figura humana.
9. Definiendo las formas: Cómo dibujar a mano alzada y a ojo los detalles de la figura humana en escorzo.
10. Exagerando la perspectiva: Cómo ajustar los puntos de fuga para crear efectos dramáticos en tus dibujos.
11. Cambiando la cámara: Cómo un ligero ajuste en el ángulo de la cámara puede cambiar totalmente la percepción de tu dibujo.
12. Comprendiendo las líneas de fuga descendentes y ascendentes: cómo la perspectiva influye en el dibujo de personajes.
13. La importancia de la posición de los pies en la representación de la perspectiva.
14. Las líneas de fuga y los brazos del personaje: cómo la dirección descendente y ascendente afecta la representación del objeto.
15. Practicando el escorzo a través de la sección del modelo: cómo mejorar y perfeccionar cada sector de la figura.
16. Comprendiendo la perspectiva desde diferentes ángulos: cómo representar el personaje en distintas vistas.
17. Dibujando escenas desde distintos ángulos: la importancia de variar los puntos de vista en la creación de manga y cómics.
18. La perspectiva y la parte del cuerpo en escorzo: cómo una parte del cuerpo puede verse alterada por la perspectiva.
19. Creando una pose desde cero: cómo plantear y dibujar la figura en pasos sencillos.
20. El desafío de dar forma a la estructura: cómo deformar las formas en función de la perspectiva.
21. La importancia de la iluminación en la representación de la profundidad: cómo las sombras y las luces potencian el volumen de la figura.
22. La iluminación en el manga: cómo los trazos, contrastes y tramas definen los dibujos en las viñetas.
23. El papel de la perspectiva y el escorzo en la creación de escenas épicas y dinámicas: cómo contar historias con más dinamismo a través de tus dibujos.
24. Invitación a la práctica constante: cómo la práctica regular te permitirá llegar muy lejos en el dibujo de personajes en acción.

Descubre el misterioso arte de contar historias sin palabras en el mundo del manga. Aprenderás las técnicas de narración visual que permiten prescindir de las palabras, y cómo los planos pueden formar parte integral de tu narración.

Estudiarás cada uno de los planos básicos y cómo usarlos en tus ilustraciones, desde mostrar emociones y expresiones de los personajes hasta revelar su entorno y el lugar donde transcurrirá la escena. Profundizarás en la relación entre los personajes y su entorno a través de planos y contraplanos, la importancia de la coherencia y la profesionalidad en el diseño de la página y cómo combinar viñetas para crear un formato atractivo y dinámico.

Esta lección te equipará con las habilidades necesarias para narrar una historia de manera fluida y natural en el sentido de lectura oriental, utilizando los diferentes tipos de planos.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción al mundo del manga: Entendiendo los principios básicos de la narración y la importancia de la ejercitación.
2. La importancia de contar con imágenes: Cómo narrar una historia solo con ilustraciones y la unión entre palabras e imágenes.
3. El arte de la narración sin diálogo: Las técnicas de narración visual en el manga y cómo se pueden prescindir de las palabras.
4. La esencia de los planos en el manga: Explorando los planos desde el cine hasta el manga y cómo forman parte integral de la narración.
5. Entendiendo los planos básicos: Una mirada detallada a los ocho planos más básicos y cómo usarlos en tus ilustraciones.
6. El primer plano y su importancia: Cómo usar el primer plano para mostrar emociones y expresiones de los personajes.
7. El plano medio y su uso: Cómo este plano puede ayudar a mostrar la acción de las manos de los personajes y presentar parte del vestuario.
8. El plano americano en el manga: Cómo este plano popular en las películas de western puede ser usado en el manga para presentar personajes y visualizar su vestuario.
9. El plano entero y su uso: Cómo este plano puede ayudar a presentar personajes y mostrar su acción en conjunto con otros personajes.
10. El plano general y su importancia: Cómo este plano puede ayudar a mostrar el entorno del personaje y ambientar y situar al lector en el lugar donde transcurrirá determinada escena.
11. El gran plano general y su uso: Cómo este plano puede ayudar a mostrar un gran escenario sin puntualizar en ningún punto o personaje en particular.
12. El plano detalle y su importancia: Cómo este plano muy cerrado puede ayudar a mostrar en detalle alguna cosa u objeto.
13. El primerísimo primer plano y su uso: Cómo este plano puede ayudar a hacer hincapié en la expresión y, por ende, sentimientos, del personaje.
14. Introducción a los planos complementarios: El plano perspectiva y el plano holandés y cómo pueden ser utilizados para reforzar la narración.
15. Uso del plano perspectiva y el plano holandés: Cómo estos planos pueden ser utilizados en escenas de enfrentamientos entre personajes y para mostrar algo desde el punto de vista de un personaje u objeto.
16. Introducción al Plano Holandés: Conceptos básicos de filmación y fotografía aplicados al manga.
17. Planos y contraplanos: Explorando la relación entre personajes y su entorno en el manga.
18. Categorización de planos: Descriptivos, narrativos y expresivos. Una mirada profunda a cada uno.
19. Combinación de planos: La importancia del contexto y la lógica en la narración a través de imágenes.
20. Normas para la construcción de páginas de manga: Cómo utilizar los diferentes tipos de planos para contar una historia.
21. El sentido de lectura oriental: Aprender a ordenar las viñetas para una lectura fluida y natural.
22. El desafío de la puesta en página: Cómo combinar viñetas para crear un formato atractivo y dinámico.
23. La “caja” y los márgenes: Aprendiendo a manejar los límites de la hoja de dibujo.
24. Expansión y superposición de viñetas: Cómo jugar con los límites para crear una narrativa visual impactante.
25. Uso de diagonales en viñetas: Cómo sugerir velocidad y vértigo en escenas de acción.
26. La separación entre viñetas: Discutiendo la importancia de la coherencia y la profesionalidad en el diseño de la página.
27. Práctica y ejercicios: Refuerza tus habilidades con hojas de entrenamiento especiales.

Bienvenido al mundo del entintado en manga, donde se definen los contornos, se añade profundidad y se dota de vida a tus ilustraciones. Desde la definición y relevancia del entintado, pasando por técnicas y herramientas modernas, hasta los secretos detrás de un buen trazo, esta lección te llevará a través del fascinante proceso del entintado.

Explorarás las ventajas y desventajas de las herramientas tradicionales y digitales, aprenderás a seleccionar el pincel correcto y a cuidar tus herramientas de entintado. A lo largo de la lección, te enseñaremos cómo utilizar el contraste, las tramas manuales y las texturas, cómo generar movimiento en tus ilustraciones y, finalmente, cómo practicar constantemente para perfeccionar tu técnica.

Al final de esta lección, habrás adquirido los conocimientos y las habilidades para pasar del boceto al arte final, listo para contar tu propia historia en manga.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción al entintado: Definición y relevancia en el proceso de dibujo manga.
2. El arte del entintado digital: Explorando técnicas y herramientas modernas.
3. Del boceto al arte final: Descifrando los pasos clave en el proceso de dibujo.
4. Entintado y tramas: Cómo añadir profundidad y textura a tus ilustraciones.
5. El uso de la tinta indeleble: Previniendo errores y manteniendo la durabilidad de tus obras.
6. El papel del entintador: Comprendiendo su rol y habilidades necesarias.
7. El mundo de las tramas: Creando tonalidades grises sin usar gris.
8. ¡A colorear! Pasando del entintado al color sin necesidad de tramas.
9. La importancia de una correcta modulación de la línea: Añadiendo dinamismo y profundidad.
10. Los secretos detrás de un buen trazo: Cómo lograr un trazo atractivo y orgánico.
11. Herramientas para el entintado: Descubriendo las opciones tradicionales y digitales.
12. Conociendo las plumas para manga: Aprendiendo a manejar la Saji – Pen, G – Pen y Maru – Pen.
13. El poder de los pinceles: Cómo estos pueden mejorar tus habilidades de entintado.
14. La importancia de la autenticidad en el entintado: Cómo encontrar tu propio estilo y dejar tu huella en cada obra.
15. El rol de los distintos artistas en la creación de un manga: entintadores, letristas, coloristas y más.
16. Aprendiendo a seleccionar el pincel correcto: cómo experimentar con diferentes pinceles para encontrar el que se adapte a tu estilo.
17. Descubriendo el arte de entintar: el uso de pinceles redondos y Liner para crear diversos trazos y detalles.
18. Abordando la era digital: cómo las herramientas digitales están cambiando el arte del manga y la ilustración.
19. Evaluando las ventajas y desventajas de las herramientas tradicionales y digitales: cómo elegir la herramienta adecuada para tu estilo y necesidades artísticas.
20. Introducción a la tinta china: cómo usar y cuidar tus herramientas de entintado para mantenerlas en óptimas condiciones.
21. Explorando los temas esenciales del entintado: cómo utilizar el contraste, las tramas manuales y texturas para mejorar tus ilustraciones.
22. Generando movimiento en tus ilustraciones: cómo utilizar las líneas cinéticas para dar vida a tus personajes y objetos.
23. Conclusión y próximos pasos: cómo practicar constantemente para perfeccionar tu técnica y convertirte en un profesional.

¿Te has preguntado alguna vez por qué ciertas ilustraciones de manga te resultan tan vívidas y absorbentes? El secreto radica en el dominio del contraste.

En la Lección 10 de nuestro curso, te llevaremos en un viaje detallado a través del mundo del contraste y cómo este poderoso elemento puede dar vida a tus ilustraciones de manga. Descubre cómo el uso de técnicas de modulación de líneas, tinta y tramas de puntos puede crear profundidad y atmosfera en tus dibujos. Sumérgete en la complejidad de las claves tonales y aprende a trabajar con escalas monocromáticas.

Además, aprenderás a crear degradados con trama manual, a superponer capas de líneas para oscurecer tus degradados y mucho más. Si quieres que tus personajes y escenas destaquen, esta lección es imprescindible.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la importancia del contraste en la ilustración de manga.
2. El contraste como herramienta para potenciar la profundidad y la ambientación en tus dibujos.
3. Técnicas de contraste: modulación de la línea, uso de la tinta y tramas de puntos.
4. Entendiendo las claves tonales: la escala de los tonos desde el más claro al más oscuro.
5. Trabajando con la escala monocromática: cómo crear tonos grises para tus ilustraciones.
6. La clave mayor y la clave menor: cómo definir el grado de contraste en tu obra.
7. Claves altas, medias y bajas: cómo dividir el gráfico para crear diferentes tonalidades.
8. Dibujando personajes cool: cómo utilizar el contraste para hacer que tus personajes destaquen.
9. La clave de alto contraste o bitonal: cómo utilizar sólo blancos y negros para crear contraste.
10. Comparando el manga y el cómic occidental: cómo el contraste se utiliza de manera diferente en cada uno.
11. Creando tramas, degradés y texturas: cómo usar estas técnicas para generar medios tonos y profundidad.
12. Dibujando un degradado con trama manual: un tutorial paso a paso.
13. Creando un degradé con tinta: cómo empezar con líneas cortas paralelas para dar una sensación de costuras.
14. El arte de variar la dirección: cómo cambiar la dirección de tus líneas para un efecto de degradado más dinámico.
15. Desvaneciendo tus líneas: cómo entrecortar tus líneas para crear una transición suave desde el negro hasta el blanco del papel.
16. Superponer para oscurecer: cómo agregar una segunda capa de líneas en la dirección opuesta para oscurecer tu degradado.
17. Seguimos oscureciendo: cómo seguir agregando capas de líneas para un tono más oscuro.
18. Dibujando la textura: cómo generar una textura limpia y ordenada que se verá bien en tu manga.
19. Creando contraste en la ilustración: cómo trabajar los tonos oscuros y la luz para crear diferentes impresiones de materiales y texturas.
20. Trabajando en la textura y el volumen: cómo agregar detalles y contrastes para dar profundidad y volumen a los elementos de tu ilustración.
21. Iluminación y sombras: cómo utilizar la iluminación para dar volumen a los árboles, la cama y otros elementos de la ilustración.
22. Terminando la ilustración: cómo agregar detalles finales y texturas para completar tu ilustración en tinta.
23. Agregando grises digitales: cómo dar un toque final a tu ilustración añadiendo grises digitales a partes de la vestimenta del personaje.
24. Una obra finalizada: cómo utilizar todas estas técnicas para crear una ilustración en tinta completa y bien ejecutada.

La Lección 11 te invita a un fascinante viaje de exploración por la luz y la sombra en el mundo del manga. Aprende cómo la iluminación puede dar vida a tus obras, transmitiendo desde la emoción más sutil hasta la atmósfera más intensa.

Aprenderás sobre la función de la luz reflejada, cómo difieren las sombras proyectadas y las sombras de los objetos, y cómo los diferentes tipos de luz pueden cambiar por completo el ambiente de tu escena. Explora cómo la luz interactúa con diferentes superficies y materiales y cómo representar esos detalles de manera efectiva en tus dibujos. Además, tendrás la oportunidad de aprender de Oscar Appie, un experto en la creación de personajes convincentes.

Si quieres dominar el uso de la luz y la sombra en tus obras de manga, no querrás perderte esta lección.

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la luz y la sombra en el manga: cómo la oscuridad y la luz dan vida a tus obras.
2. La función de la iluminación en el manga: cómo la luz y la sombra pueden transmitir un estado de ánimo específico.
3. Exploración de las fuentes de iluminación: cómo variar la fuente de luz puede cambiar la apariencia de tu escena.
4. Análisis de la luz solar en el manga: cómo la posición y la intensidad del sol pueden influir en la representación de las sombras.
5. El papel de las sombras en el manga: cómo diferenciar y utilizar correctamente la sombra de un objeto y la sombra proyectada.
6. El impacto de las nubes en la iluminación: cómo la presencia de nubes puede difuminar y suavizar las sombras en tu obra.
7. Uso de la luz de luna llena y de las velas en el manga: cómo estas fuentes de luz pueden crear atmósferas únicas y misteriosas.
8. La luz eléctrica en el manga: cómo la luz de un foco o de luces LED puede dispersar la luz y cambiar el ambiente de tu escena.
9. El concepto de la luz refleja: cómo la luz puede rebotar de un objeto a otro y afectar la iluminación de tu escena.
10. El efecto de los colores y los materiales en la luz reflejada: cómo ciertos colores y materiales pueden reflejar más luz que otros.
11. La interacción de la luz reflejada con la sombra: cómo la luz reflejada puede iluminar las sombras y agregar profundidad a tu obra.
12. La decisión de utilizar o no la luz reflejada: cómo el uso de la luz reflejada puede depender de tu estilo y del nivel de realismo que desees alcanzar.
13. La iluminación como lenguaje de las emociones: cómo la dirección e intensidad de la luz pueden transmitir diferentes estados de ánimo.
14. Consideraciones para el uso de la iluminación emocional: cómo utilizar la luz para transmitir emociones sin perder la coherencia de tu obra.
15. El poder de la iluminación: Cómo la dirección de la luz puede cambiar la percepción de un personaje.
16. La iluminación como recurso narrativo: Cómo usarla para reflejar las emociones y decisiones de un personaje.
17. El valor del claroscuro: Cómo usar luces y sombras para potenciar la composición de una escena.
18. La importancia de la veracidad en la iluminación: Cómo evitar errores comunes en la dirección de las luces y sombras.
19. Materiales y texturas: Entendiendo cómo la luz y la sombra interactúan con diferentes superficies.
20. Reflejos y destellos: Cómo representar adecuadamente la interacción de la luz con materiales como el cristal y los metales.
21. Interacción de la luz con la madera: Cómo la textura y el acabado de este material afectan su apariencia bajo la luz.
22. La piedra y su interacción con la luz: Un estudio de cómo la porosidad y el tipo de piedra influyen en la luminosidad.
23. El reto de los pliegues: Cómo la gravedad, el volumen y el movimiento afectan la creación de pliegues y su interacción con la luz.
24. Interpretando texturas y materiales a través de la luz: Cómo la iluminación puede sugerir el tipo de material en tu dibujo.
25. Practicando la iluminación: Ejemplos y ejercicios para mejorar tu dominio de las luces y sombras.
26. Consejos de un experto: El artista invitado Oscar Appie comparte sus técnicas para crear personajes convincentes.
27. El reto de dibujar personajes en acción: Cómo la iluminación puede aportar dinamismo y realismo a tus personajes en movimiento.
28. El placer de aprender a dibujar: Un recordatorio de la importancia de disfrutar el proceso de aprendizaje.

En nuestra última lección, la Lección 12, nos enfocaremos en el arte esencial de la composición de viñetas en manga. Entenderás cómo la correcta ubicación y organización de personajes y objetos dentro del espacio de tu viñeta puede influir y guiar la atención del lector.

Conocerás el significado y uso de diferentes líneas y formas, y cómo pueden transmitir diferentes sensaciones. Te adentrarás en el fascinante mundo de la regla de los tercios y la ley del horizonte, aprendiendo cómo aplicarlas en tus viñetas para crear escenas interesantes y atractivas.

Pero eso no es todo, también tendrás la oportunidad de aprender de artistas reconocidos en la industria del manga y te prepararás para crear tus propias páginas de manga profesionales.

¡No esperes más para transformar tu habilidad en el dibujo de manga y tomar tu arte al siguiente nivel!

En este pack vas a aprender:

1. Introducción a la lección: la importancia de la composición en las viñetas de manga.
2. Definición de composición: entender cómo organizar los objetos dentro del espacio para guiar la mirada del lector.
3. Explorando varias formas de composición: utilizando formas geométricas y líneas para guiar la vista hacia el punto de interés.
4. Evitando errores comunes en la composición: entender la importancia de la ubicación de personajes y objetos para evitar la monotonía.
5. Comprendiendo el significado de las líneas: cómo las líneas horizontales, verticales, diagonales y curvas transmiten diferentes sensaciones.
6. Utilizando círculos y curvas en forma de “S” para crear composiciones interesantes.
7. Entender las líneas convergentes y cómo transmiten profundidad y distancia en la composición.
8. Combinando diferentes formas en una composición: el concepto de ritmo y cómo un patrón de líneas o formas puede mejorar la composición.
9. Evitando errores comunes con las líneas rectas: la importancia de mantener las líneas paralelas lo más rectas posibles.
10. Introducción a la regla de los tercios: cómo dividir el cuadro en tres partes iguales para guiar la atención del lector.
11. Aplicando la regla de los tercios y la ley del horizonte en diferentes tipos de viñetas.
12. Comparando ejemplos de mala y buena composición: aprender de los errores y aciertos en las viñetas de manga.
13. El arte de dibujar multitudes: trucos y técnicas para crear escenas con muchos personajes.
14. El uso de personajes extras en la comedia: cómo dibujar monigotes para sumar humor a tu manga.
15. Creando personajes extras realistas: el arte de dibujar personajes sin rostro.
16. Ubicación de los protagonistas: la importancia de los puntos clave en la regla de los tercios y las líneas cinéticas.
17. Manejando la profundidad en escenas de multitudes: cómo guiar la mirada del lector hacia el personaje protagonista.
18. Dibujando en dirección aleatoria: trucos para representar multitudes con direcciones diversas.
19. Separando los personajes del fondo: un detalle crucial para evitar confusión en tus dibujos.
20. El balance entre detalles y simplicidad: cómo evitar la sobrecarga visual en tus cuadros.
21. La importancia del lenguaje escrito en el manga: trucos para ubicar correctamente los globos de diálogo.
22. Evitando errores de continuidad: cómo mantener la coherencia en tu historia a través de las viñetas.
23. Manejando la perspectiva en distintos puntos de vista: cómo dibujar un mismo entorno desde diferentes ángulos sin perder coherencia.
24. El salto de eje y su impacto en la coherencia de la historia: cómo evitar errores en la posición de la cámara.
25. Invitados especiales: aprendiendo de los artistas Oscar, Diego Allay, Luis Figueiredo y Ariel Olive.
26. Training for Comics: preparándote para crear páginas de manga profesionales.
27. ¡Practica, practica, practica!: cómo la práctica constante te ayudará a mejorar tus habilidades de dibujo y narración.