¡Utiliza los seis pasos de Scott McCloud según Maus de Art Spiegelman!
El arte invisible: descubriendo la anatomía del cómic
¿Alguna vez te has preguntado qué hace que una historieta sea realmente efectiva? ¿Qué elementos separan una simple tira cómica de una obra maestra del noveno arte? Detrás de cada viñeta memorable existe un proceso creativo fascinante que pocos lectores llegan a apreciar completamente. Hoy nos sumergiremos en la metodología que transforma simples ideas en narrativas visuales poderosas, y descubriremos cómo uno de los más revolucionarios teóricos del cómic desglosa este proceso en seis pasos fundamentales.
En su obra seminal «Understanding Comics: The Invisible Art», Scott McCloud retoma la definición propuesta por Will Eisner sobre los cómics como «Arte Secuencial» y afirma que esta definición tiene un carácter neutral puesto que no hace referencia a «estilo», «calidad» o «temática». Esta descripción, aunque simple en apariencia, abre la puerta a una comprensión más profunda de un medio frecuentemente subestimado.
Por eso McCloud propone separar forma de contenido mediante una «cirugía estética» y, así, expandir la definición de Eisner a partir de la especificación de un vocabulario propio de los cómics. Después de guiarnos a través de este fascinante recorrido conceptual, nos presenta los «seis pasos» del proceso creativo, un marco que resulta invaluable para quienes desean aventurarse en la creación de historietas. ¿Te gustaría explorar las bases fundamentales del dibujo secuencial? Descubre recursos especializados aquí.
Los «seis pasos» de Scott McCloud: la estructura detrás de toda narrativa gráfica
1. Idea / Propósito: Son los impulsos, las ideas, las emociones y filosofías que nos motivan a crear nuestro contenido. Esta es la semilla primordial, el «¿por qué?» detrás de nuestra historia. ¿Qué queremos comunicar? ¿Qué mensaje deseamos transmitir? ¿Qué emociones buscamos provocar en nuestros lectores? Este primer paso es fundamental porque establece los cimientos sobre los que construiremos toda nuestra obra.
La idea puede surgir de experiencias personales, observaciones sociales, reflexiones filosóficas o simplemente de la imaginación pura. Algunos creadores comienzan con un concepto abstracto que gradualmente toma forma, mientras que otros parten de una imagen mental específica o una escena que luego expanden. Lo importante es que la idea tenga suficiente fuerza y significado para impulsar todo el proceso creativo que sigue.
2. Forma: Aquí nos enfrentamos a una pregunta fundamental: ¿Qué formato tendrá nuestra obra? ¿Un libro completo, una tira de periódico, un webcómic, una novela gráfica? La elección de la forma no es trivial, pues determinará muchas de las decisiones posteriores y afectará directamente cómo será percibida nuestra historia por el público.
La forma elegida debe complementar y potenciar nuestra idea inicial. Por ejemplo, una reflexión profunda sobre la condición humana podría beneficiarse del espacio y ritmo pausado que ofrece una novela gráfica, mientras que una crítica social puntual podría funcionar mejor como una tira cómica concisa y directa. La forma también determina aspectos prácticos como dimensiones, número de páginas, cromática (blanco y negro, color, duotono) y otros elementos físicos que condicionarán nuestra narrativa.
3. Idioma (o Lenguaje Estilístico): ¿Qué escuela o tradición artística seguiremos? Cada una tiene su propio estilo, sus formas particulares de elaborar gestos y representar géneros. En este paso debemos preguntarnos: ¿En qué tradición nos sentiremos más cómodos para desarrollar nuestro trabajo? ¿Cuál se alinea mejor con nuestros propósitos?
El idioma estilístico abarca desde la caricatura expresionista hasta el realismo detallado, pasando por el manga japonés, la línea clara europea, el underground americano o las innovaciones del cómic experimental. La elección no solo refleja nuestras influencias y capacidades técnicas, sino que también establece un contrato visual con el lector y comunica información subliminal sobre el tono y las intenciones de nuestra historia. ¿Quieres perfeccionar tu estilo personal de dibujo? Encuentra ejercicios prácticos que te ayudarán a desarrollar tu voz artística aquí.
4. Estructura: Este es el momento de composición, donde debemos decidir qué elementos de todo lo que hemos concebido permanecerán en nuestra producción final y cuáles quedarán fuera para lograr nuestro objetivo. La estructura es la arquitectura invisible que sostiene toda la narrativa.
Aquí entran en juego decisiones cruciales como la secuencia de eventos, el ritmo narrativo, la distribución de momentos climáticos, la organización de capítulos o secciones, y la construcción de arcos argumentales. Una estructura sólida garantiza que el lector pueda seguir la historia sin confusiones, que las revelaciones ocurran en los momentos adecuados y que el flujo narrativo mantenga su coherencia interna. Este paso implica un trabajo meticuloso de planificación y requiere tanto intuición artística como pensamiento analítico.
5. Oficio (o Habilidad): Esta instancia es quizás la más práctica, puesto que aquí es donde utilizamos nuestros conocimientos teóricos y técnicos, nuestras destrezas adquiridas para resolver de manera óptima todo el camino que hemos venido bocetando desde la concepción inicial de nuestra historieta.
El oficio abarca desde el dominio del dibujo (anatomía, perspectiva, composición) hasta el manejo de herramientas específicas (plumillas, pinceles, tabletas digitales), pasando por técnicas de entintado, rotulación, colorización y maquetación. Es el momento donde nuestras habilidades prácticas transforman las ideas abstractas en imágenes concretas. El nivel de oficio no solo determina la calidad visual del resultado final, sino también la eficiencia con la que podemos comunicar nuestra historia. Un dibujante experimentado sabe cómo dirigir la mirada del lector, cómo utilizar el espacio de la página y cómo manipular la expresividad de los personajes para maximizar el impacto narrativo.
6. Superficie: Aquí es donde todo nuestro trabajo se hace visible, donde ocurre la finalización y se expresan los valores estéticos que expondremos tanto a nosotros mismos como a nuestro público potencial. Es la capa más externa de nuestra creación, lo primero que percibe el lector.
La superficie incluye los acabados finales, los detalles de presentación, la calidad de impresión o exhibición digital, y todos aquellos elementos que conforman la experiencia sensorial inmediata del lector. Aunque podría parecer meramente cosmética, la superficie es crucial porque actúa como puerta de entrada a todo el universo narrativo que hemos construido. Una superficie atractiva y congruente con los demás pasos invita al lector a sumergirse en nuestra historia, mientras que una superficie descuidada o incongruente puede alejar incluso al público más predispuesto.
Cuando McCloud nos habla de estos seis pasos, los ejemplifica con diferentes historietistas ficticios y nos explica qué trayectorias sigue cada uno a partir de los caminos que toman. En definitiva, nos aclara que el orden de los pasos no es necesariamente lineal o rígido. Lo importante es que todos, de alguna manera, debemos recorrer cada uno de estos aspectos, concentrándonos más o menos en cada uno dependiendo de nuestros intereses y objetivos. De esta manera, podríamos ir y venir entre diferentes «principios» y «finales» según las elecciones artísticas que hagamos.
Por eso, según McCloud, todos los pasos deben recorrerse puesto que se interrogan entre sí y, si no lo hacemos, nuestra «manzana» (metáfora visual que utiliza para representar el producto final) podría estar vacía de contenido o carecer de coherencia interna. Es necesario, entonces, entender que todos los momentos se relacionan y debemos hacerlos dialogar entre sí para dar lugar a una obra completa, compleja y bien afianzada.
Esto no significa que, al hacerlo correctamente, nuestra recepción sea necesariamente exitosa en términos de fama o popularidad, porque eso también depende del mercado y sus tendencias, pero sí puede serlo desde nuestra propia experiencia y nuestro desarrollo como artistas. Tal es la interrelación entre estas partes que más de un artista reconocido se ha preguntado, una vez avanzada su carrera: «¿Para qué estoy haciendo esto?» En otras palabras: ¿es más importante la forma o el contenido?
Algunos creadores han revolucionado la forma visual de narrar, mientras que otros han provocado revuelos con los temas que han decidido abordar. Sin embargo, estos dos aspectos no son opuestos sino complementarios, y pueden tener distinta relevancia en diferentes períodos de nuestra trayectoria artística. Potencia tu capacidad para contar historias visualmente atractivas accediendo a recursos especializados aquí.
Toda esta interioridad del proceso creativo, que hasta el momento no había sido analizada sistemáticamente en las discusiones académicas sobre cómics, llevó a McCloud a ganar un gran reconocimiento por su desmenuzamiento de lo que él mismo denominó el «Arte invisible». Su enfoque nos brinda una perspectiva innovadora tanto a curiosos como a conocedores de aquellos debates que tienen los historietistas pero de los que, como lectores, solemos ver solo una mínima parte.
Los «seis pasos» aplicados a Maus: anatomía de una obra maestra del cómic
Uno de los nombres imprescindibles para entender la aplicación práctica de estos conceptos es el de Art Spiegelman, el primer historietista en recibir un premio Pulitzer por su excepcional novela gráfica «Maus» (1991). Su trabajo no solo «elevó» la historieta a la categoría de arte reconocido por la crítica mainstream, sino que logró irrumpir simultáneamente desde la forma y el contenido, revolucionando las posibilidades narrativas del medio.
Analicemos cómo se manifiestan los seis pasos de McCloud en esta obra fundamental:
1. Idea/Propósito: El impulso inicial de Spiegelman surge de una necesidad profundamente personal: comprender y procesar la traumática experiencia de su padre, Vladek, como superviviente judío del Holocausto. A esta motivación íntima se suma un propósito más amplio: documentar y transmitir a las nuevas generaciones la memoria de una de las mayores atrocidades del siglo XX, desde una perspectiva individual y humanizada que contrasta con la abstracción de las cifras y datos históricos. Spiegelman buscaba, además, explorar las complejas relaciones paterno-filiales marcadas por el trauma intergeneracional y cuestionar los límites de la representación artística de eventos históricos traumáticos.
2. Forma: Spiegelman optó por el formato de novela gráfica seriada (inicialmente publicada por entregas en la revista RAW y posteriormente compilada en dos volúmenes). Esta elección le permitió desarrollar una narrativa compleja y de largo aliento que requería espacio para desplegarse, evitando las limitaciones de formatos más breves. La novela gráfica, además, le proporcionó la libertad necesaria para combinar múltiples capas temporales y narrativas, alternando entre el presente (conversaciones con su padre) y el pasado (experiencias de Vladek durante la guerra).
3. Idioma/Lenguaje Estilístico: En una decisión revolucionaria para su época, Spiegelman decidió representar a sus personajes de manera antropomórfica, asignándoles cabezas de animales según su nacionalidad o etnia: ratones para los judíos, gatos para los alemanes, cerdos para los polacos no judíos, etc. Esta elección estilística, inspirada tanto en las tradiciones de la caricatura política como en la propaganda nazi que deshumanizaba a los judíos comparándolos con «ratas», se convirtió en uno de los aspectos más comentados y analizados de la obra.
La idea de representar a los judíos como «ratones» dialoga directamente con la simbolización propagandística de esta población como la responsable de llevar consigo la «peste» económica y la «contaminación» racial. Al recuperar y recontextualizar estos estereotipos, Spiegelman expone el mecanismo de deshumanización que facilitó el genocidio. Por otra parte, el estilo gráfico de «Maus», con su trazo expresivo en blanco y negro, sus fondos detallados y su disposición variable de viñetas, combina influencias tanto del underground americano como de la tradición expresionista europea.
El uso del estilo cartoon universal en «Maus» cumple además una función paradójica: por un lado, crea cierta distancia estética que hace soportable la representación de horrores que serían difíciles de asimilar en un estilo más realista; por otro, universaliza la experiencia al permitir que los lectores proyecten más fácilmente sus propias emociones en personajes simplificados. Esta decisión estilística fue objeto de críticas por parte de quienes percibieron un gesto de mal gusto o de trivialización en la representación del Holocausto. Sin embargo, es importante reconocer que Spiegelman se enfrentaba a un territorio inexplorado: la representación del testimonio histórico traumático en un medio tradicionalmente asociado al entretenimiento infantil o la sátira.
En la página mostrada podemos apreciar el debate interno sobre la representación autoficcionada del propio Art Spiegelman en su cómic. En las primeras viñetas nos encontramos con la puesta en contexto de su trabajo, ubicándonos en la producción y post-producción de «Maus». En los tres paneles iniciales donde se muestra su rostro de perfil, entendemos que lleva puesta una máscara de ratón, sugiriendo que la identidad de judío víctima del Holocausto no es su identidad primaria sino una identificación que fue adoptando durante el proceso de documentación. Sin embargo, en el cuarto cuadro, al verlo de frente, esa distinción se difumina, simbolizando cómo ese proyecto lo ha consumido, idea reforzada por las moscas que lo rodean y, finalmente, por los cadáveres sobre los que se encuentra trabajando. Esta metaimagen expone una crítica reflexiva: su éxito artístico y comercial deriva, en cierto modo, de la «explotación» mediática de una tragedia histórica de proporciones inimaginables.
4. Estructura: «Maus» presenta una estructura compleja de relato dentro del relato, alternando dos líneas temporales principales: el presente de las entrevistas que Art realiza a su padre (década de 1970-80) y el pasado de las experiencias de Vladek durante el ascenso nazi y la Segunda Guerra Mundial (1930-40). A esta doble temporalidad se añade, en el segundo volumen, una tercera capa metanarrativa donde Spiegelman reflexiona sobre el proceso de creación del propio cómic y las implicaciones éticas de su empresa.
Esta estructura permite múltiples niveles de lectura y crea un contrapunto constante entre el trauma histórico y sus reverberaciones en el presente, entre la gran Historia y la historia personal. Además, la estructura episódica facilita la dosificación de la intensidad emocional, intercalando momentos de tensión extrema con escenas cotidianas que proporcionan respiro al lector.
El intercambio entre padre e hijo adopta la forma de una entrevista, generando un ida y vuelta entre la realidad presente de las conversaciones y el pasado narrado por Vladek. Esto produce un sofisticado juego temporal donde los discursos se entrelazan y jerarquizan, transitando fluidamente de globos de diálogo a cajas de texto y viceversa, creando un ritmo dinámico que nos hace entrar y salir del testimonio constantemente. Esta estructura narrativa no solo es estéticamente innovadora sino conceptualmente significativa: refleja cómo la memoria traumática no es lineal sino fragmentaria, y cómo el acceso al pasado siempre está mediado por las limitaciones del recuerdo y la narración.
5. Oficio/Habilidad: El dominio técnico de Spiegelman se manifiesta en múltiples aspectos de «Maus». Su capacidad para equilibrar la expresividad y la legibilidad en un estilo aparentemente sencillo pero tremendamente efectivo; su maestría en la composición de página, variando el tamaño y disposición de las viñetas según las necesidades narrativas; su habilidad para representar diferentes estados emocionales a través de la gestualidad de personajes con rasgos animales; y su dominio del ritmo narrativo, alternando escenas de diálogo con secuencias más visuales.
Particularmente notable es la forma en que Spiegelman resuelve el problema de representar visualmente lo «irrepresentable» del Holocausto. Cuando debe mostrar atrocidades que su padre no presenció directamente sino que conoció por relatos de terceros, Spiegelman emplea recursos visuales específicos que marcan esta diferencia testimonial, como vemos en la siguiente página. Explora diferentes técnicas de expresión gráfica para narrar historias complejas con recursos visuales efectivos aquí.
En esta secuencia crucial de «Maus», las cajas de texto que narran la historia de Vladek son fundamentales para entender la compleja estructura testimonial de la obra. Aquí, lo que el padre de Spiegelman cuenta no es algo que haya presenciado directamente, sino algo que le relataron. Como este horror «de segunda mano» resulta aún más inimaginable para Art que las experiencias directas de su padre, el autor recurre a un ingenioso recurso visual: utiliza el globo de diálogo para «ocultar» parcialmente la escena no presenciada, restando carácter explícito a lo representado. Además, introduce a los personajes en la escena como espectadores externos, sugiriendo visualmente que ambos son testigos auditivos más que visuales de lo narrado. Esta sofisticada elipsis gráfica resuelve el dilema ético y estético de representar un horror que excede incluso la experiencia directa del testimoniante principal.
6. Superficie: El aspecto final de «Maus» refleja decisiones estéticas deliberadas que refuerzan su concepto fundamental. La elección del blanco y negro no solo respondía a limitaciones económicas sino que otorgaba a la obra una sobriedad acorde con su temática. El trazo expresivo, la atención al detalle en fondos y ambientes (especialmente en las representaciones arquitectónicas de Auschwitz), y el diseño general de los dos volúmenes como un conjunto cohesionado contribuyen a crear una experiencia de lectura inmersiva y emocionalmente resonante.
La calidad de la superficie en «Maus» también se manifiesta en aspectos sutiles como la consistencia estilística a lo largo de cientos de páginas, la claridad en la rotulación (crucial para una obra con tanto diálogo), y el equilibrio entre áreas de detalle y espacios de «respiración» visual. El acabado final refleja un meticuloso proceso de refinamiento donde cada elemento visual está al servicio de la narrativa y el mensaje de la obra. ¿Deseas dominar el arte de crear historietas impactantes? Haz clic aquí para acceder a recursos que llevarán tus creaciones al siguiente nivel.
De Maus a tu propia creación: aplicando los seis pasos
El proceso creativo de Art Spiegelman para «Maus» ilustra perfectamente cómo los seis pasos propuestos por Scott McCloud no funcionan de manera aislada sino como un sistema interconectado donde cada decisión afecta a todas las demás. La fuerza de «Maus» radica precisamente en la coherencia con que todas estas dimensiones se integran al servicio de un propósito artístico y testimonial.
Lo que hace extraordinaria a esta obra no es solo la originalidad de su concepto o la perfección técnica de su ejecución, sino la autenticidad con que Spiegelman enfrentó sus propias limitaciones, dudas y contradicciones, incorporándolas como parte integral del relato. En lugar de pretender una autoridad narrativa absoluta, «Maus» expone constantemente su propia fragilidad como intento de representación, y es precisamente esa honestidad lo que otorga a la obra su inquebrantable poder emocional y su relevancia perdurable.
La transformación que Spiegelman operó en el campo de la historieta no puede subestimarse. Al demostrar que el cómic podía abordar con rigor y sensibilidad los temas más profundos de la experiencia humana, abrió caminos que generaciones posteriores de artistas han continuado explorando. Su trabajo, que le llevó más de trece años completar, representa uno de los ejemplos más claros de cómo la integración consciente de los seis pasos puede resultar en una obra que trasciende las expectativas del medio y alcanza la categoría de clásico indiscutible.
¡A narrar! Tu próxima obra maestra espera
Hemos analizado detalladamente los seis pasos propuestos por Scott McCloud y hemos visto cómo se materializan en «Maus» de Art Spiegelman. La creación de esta revolucionaria novela gráfica fue un proceso extremadamente desafiante que implicó innumerables decisiones creativas, técnicas y éticas, resultando en una obra que transformó para siempre el panorama del cómic mundial.
Ahora es tu turno. Ya sea que estés dando tus primeros pasos en la creación de historietas o que busques llevar tu trabajo a un nuevo nivel, los seis pasos de McCloud ofrecen un marco valioso para reflexionar sobre tu proceso creativo. ¿Listo para convertir tus ideas en historietas extraordinarias? Descubre herramientas y métodos profesionales aquí.
Recuerda que no existe una fórmula mágica ni un orden preestablecido: cada creador encuentra su propio camino a través de estos aspectos fundamentales. Lo importante es que cada decisión que tomes esté alineada con tu visión artística y que todos los elementos trabajen en armonía para crear una experiencia coherente y significativa para tus lectores.
¿Qué historia arde dentro de ti esperando ser contada? ¿Qué forma le darás? ¿Qué lenguaje visual elegirás para expresarla? ¿Cómo estructurarás su desarrollo? ¿Qué habilidades técnicas necesitas desarrollar para materializarla? ¿Cómo será su aspecto final?
El viaje desde la idea inicial hasta la obra terminada puede ser largo y lleno de desafíos, como lo fue para Spiegelman, pero también puede ser profundamente gratificante. No temas experimentar, cuestionar las convenciones establecidas o explorar territorios narrativos inexplorados. Después de todo, las obras que realmente perduran son aquellas que logran combinar de manera única y personal todos los aspectos del proceso creativo.
Así que adelante: toma lápiz y papel, o abre tu software de dibujo favorito, y comienza a dar forma a tu próxima creación. El mundo está esperando tu historia.
